Arte e scienze dopo secoli sono tornate a far parte di uno stesso territorio al quale sempre appartenute (si pensi al Rinascimento): quello della creatività umana senza perniciose partizioni.
La divisione idealistica fra i due campi del sapere è caduta, speriamo per sempre.
Ha scritto Paul Feyerabend in ‘La scienza come arte’: “Ogni opera di scienza è scienza e arte, come ogni opera d'arte è arte e scienza. Solo come spontanea è l'arte nella scienza, così spontanea è la scienza nell'arte”.
“Ars sine Scientia nihil est”. Questa celebre frase è del Maestro Giovanni Mignot, architetto parigino, pare pronunciata nel 1399 quando fu chiamato a Milano per valutare l’opera della fabbrica del Duomo.
Lo stesso concetto riecheggerà nel 1722 allorché il compositore francese Jean-Philippe Rameau scriverà: “La musica è una scienza che deve avere regole certe: queste devono essere estratte da un principio evidente, che non può essere conosciuto senza l'aiuto della matematica”.
E Victor Hugo (1802-1885): "Non vi è alcuna incompatibilità fra l'esatto e il poetico. Il numero è nell'arte come nella scienza. L'algebra è nell'astronomia e l'astronomia confina con la poesia. L'anima dell'uomo ha tre chiavi che aprono tutto: la cifra, la lettera, la nota. Sapere, pensare, sognare”
Ai nostri giorni quei pensieri sono tornati di grande attualità con l’intreccio multidisciplinare, che è alla base del procedere artistico nelle arti visive, nella musica, nel teatro di performance, in letteratura dove usando logaritmi (Philippe Bootz, Loss Pequeño Glazier, Shelley Jackson) sorgono forme di scrittura mutante.
E il cinema? Qui ci soccorre un eccellente libro di recente pubblicato da Bollati Boringhieri: Numeri immaginari Cinema e matematica
Lo firma un autore che è matematico e cineasta: Michele Emmer, figlio d’arte, il padre è, infatti, il regista Luciano Emmer.
Michele Emmer insegna Spazio e forma all’Università La Sapienza di Roma. Si occupa da anni di cinema e arte – i suoi diciotto film hanno avuto circolazione mondiale – e dei rapporti tra matematica e cultura, su cui dal 1997 organizza ogni anno a Venezia un convegno internazionale. Presso Bollati Boringhieri sono usciti “Visibili armonie. Arte, cinema, teatro e matematica” (2006), “Bolle di sapone. Tra arte e matematica” (2009), vincitore del premio Viareggio, e il dvd “Flatlandia”, accluso al romanzo omonimo di Edwin A. Abbott (2008).

Il volume è strutturato come un film, o uno spettacolo cinematografico, con un primo e secondo tempo. Né mancano un intervallo in cui si sgranocchia l’incanto per la numerazione goduto da Greenaway, e titoli di coda grati ai nomi di Virgilio Sabel, Leonardo Sinisgalli, Raymond Queneau, Pierre Kast, Luciano Emmer.
Pur attingendo alla propria storia personale, l’autore più che tracciare un’autobiografia ne fa elegantemente un basso continuo, un accompagnamento strumentale che conduce il discorso d'insieme mediante l'elaborazione di una partitura fatta dei propri ricordi di spettatore e di regista.
Veniamo così condotti attraverso sessant’anni di cinema che mette in scena la matematica, fornendone anche un repertorio aggiornatissimo e unico nel suo genere.
Non si parla, quindi, solo di quei film, i cosiddetti biopic, che raccontano la vita di matematici, ma si esplorano anche serie televisive e pellicole mai entrate nel grande circuito, curiosi “corti” e fosforescenti esperienze sperimentali, presenze rare, e perciò più preziose, in alcuni festival e rassegne.

Numeri immaginari, scritto in maniera scorrevolissima, è un libro insolito che può far felici non solo gli amanti del cinema e quelli della matematica, ma ha il merito d’illuminare un territorio poco o per niente esplorato tanto da coinvolgere quanti s’interrogano sul nodo che lega fra loro le arti, sulla vita abissale dalla quale emerge la creatività.
Un libro di esperienze, di filosofia. Un libro da leggere.

Michele Emmer
Numeri immaginari
Pagine 246, Euro 18.00
Bollati Boringhieri

Resterà per me sempre un mistero perché chi ha dapprima affidato i propri testi al web poi decida di pubblicarli su carta. Ben capisco, invece, l’operazione inversa.
Disporre di un sito in Rete significa viaggiare su di un jet, raggiungere, almeno potenzialmente, ogni punto del pianeta mentre il libro di carta (c’è chi lo ama, e giustamente, alla follia, un cospicuo esempio QUI) è, oggi, suppergiù una bicicletta, e, pur con il comprensibile fascino delle due ruote, ha possibilità di diffusione innegabilmente più limitate, talvolta, estremamente limitate.
Tutto questo mentre l’editoria informatica finalmente va sempre più affermandosi, e mentre Arthur Sulzberger Jr, editore e presidente del “New York Times”, annuncia che fra qualche anno quel famoso giornale più non sarà su carta e vivrà solo on line.
Altro segnale, stavolta in Italia, proviene proprio dalla Siae che ha pubblicato a gennaio l’ultimo numero cartaceo della rivista trimestrale “VivaVerdi” (non in vendita, riservato agli iscritti alla Società Autori e Editori) che dalla prossima uscita sarà leggibile solo in Rete.

Sia come sia, Carla Paolini, scrittrice finissima, è una che proprio così ha deciso di fare pubblicando Internectasie che dalle pagine elettroniche del suo sito sono ora in versione stampata nelle vivaci Edizioni Cicorivolta.

Scrive Paolo Ruffilli in una nota che apre il volume: Racconto per quadri, lo si potrebbe definire; oppure polittico in una serie di tavole; o, se si vuole, azione drammatica in successione di parti monologanti, senza tuttavia una grande differenza. È questa raccolta di prose, per scene e voci, di Carla Paolini, intitolata Internectasie, suggestiva crasi di “internet” ed “ectasie”. Un piccolo grande libro dall'accentuato peso specifico: compatto e filante, stratificato e intenso, originalissimo nel taglio e nella scrittura, sulla linea della produzione ormai consolidata della scrittrice cremonese […] Il mistero della vita e il senso del suo incommensurabile valore attraversano tutto il libro e ne sono il messaggio in qualche modo squillante, anche formalmente, a livello di cromatismo verbale. Anche se, apparentemente, il tono del discorso è sommesso; anzi, proprio con un effetto inversamente proporzionale alla controllata contrazione del grado del parlato. Secondo una formula contemplativa che subordina i gradi del pensiero ai risvolti più umani dell'affetto e della comprensione; nella vigile volontà di ridare credibilità ai valori attraverso l'uso del "sottovoce" e fuori, dunque, da ogni intenzione retorica.

Carla Paolini
Internectasie
Prefazione di Paolo Ruffilli
Pagine 120, euro 12.00
Cicorivolta Edizioni

Torna su queste pagine Marco Cadioli che conobbi qualche anno fa durante una mostra-convegno dedicata a Second Life, metaverso del quale egli è stato il primo net reporter in Italia.
Ha pubblicato Io, reporter in Second Life ed ecco, circa quelle sue pioneristiche esperienze, quanto mi disse.

Abstract Journeys è la sua prima mostra personale a Milano, sua città natale.
E’ in corso alla Gloria Maria Gallery e propone una serie di immagini tratte da schermate di Google Earth che esplorano molteplici superfici e forme della crosta terrestre, che sono state trasformate dall’uomo in composizioni astratte geometriche.

In foto: Abstract Trip #2 (green), digital print on paper, 124x70 cm, 2011. Unique.

La mostra è a cura di uno dei nostri più brillanti teorici dei nuovi media, uno studioso che ha dedicato la propria ricerca all’immaginario tecnologico: Vito Campanelli.

Di seguito qualche passaggio della sua presentazione.
"… alcuni esseri umani alterano con le proprie attività (si tratta per lo più di attività agricole su scala industriale) il paesaggio naturale, conferendogli forme che riportano alla mente motivi pittorici caratteristici dell’astrattismo europeo del Novecento; le immagini di tali paesaggi sono catturate da satelliti orbitanti intorno alla terra; altri esseri umani (lavoratori immateriali, forse impiegati di Google) trasformano le fotografie in texture ovvero in una sorta di pelle che viene applicata sul ‘corpo’ di modelli bidimensionali e tridimensionali che rappresentano il nostro pianeta; i modelli virtuali così ottenuti divengono navigabili attraverso Google Earth, il popolare programma che ci permette di sorvolare il mondo come fossimo su una romantica mongolfiera; qui Cadioli inizia i propri viaggi e la propria ricerca formale, nel senso di ricerca di forme evocative di alcuni motivi pittorici riconducibili all’astrattismo. Non esiste ovviamente alcun intento estetico nelle attività pratiche con cui gli esseri umani, con il concorso delle macchine, modificano il paesaggio – è l’artista infatti che, guardando da una prospettiva impossibile (l’occhio del satellite, appunto), legge sul territorio segni che egli interpreta come motivi pittorici. […] Ad ogni incontro significativo l’artista milanese scatta fotografie, in altri frangenti preferisce invece che il flusso di dati digitali continui a scorrere e realizza quindi riprese video dei paesaggi che incontra nel proprio girovagare […] Cadioli, profondamente consapevole delle implicazioni di ogni suo gesto, si diverte ad utilizzare Google Earth come un pennello attraverso il quale riprodurre sul proprio schermo pattern espressivi dell’inizio del secolo passato. Gioca a dare forma alla terra e, in questo suo trasformarsi in demiurgo, mostra di non essere vittima di quella “vergogna prometeica” che tanto ha afflitto l’individuo moderno nel confronto con le proprie creazioni macchiniche.
Le illusioni di ordinare l’universo in base al proprio gusto estetico offerte dalla tecnica contemporanea, sono sicuramente tali da indurre quella “inedita vertigine del sublime tecnologico” della quale ci parla Mario Costa, si tratta dunque di un “sublime domesticato” che – in quanto tale – può aprirsi a una fruizione “socializzata e controllata” (“Il sublime tecnologico”, 1990). Non più quindi il terrore provocato da eventi naturali e da potenze non addomesticate, ma un “terrificante tecnologico” che viene disinnescato, proprio nei suoi aspetti più terrificanti, grazie all’estetica delle comunicazione".

Per visitare il sito web di Cadioli: CLIC!

Marco Cadioli
“Abstract Journeys”
A cura di Vito Campanelli
Gloria Maria Gallery
Via Watt 32, Milano
Info: fabrizio@gloriamariagallery.com
Tel: 02 – 8708 8548
Fino al 22 febbraio ‘12

No, non si tratta di un mio errore nello scrivere il nome di quei fiori perché Rrose Sélavy è il nome con il quale Marcel Duchamp, forse il più innovatore artista del Novecento, definito il "padre" del dadaismo, firmò alcune sue opere (ready-made). Nel 1924 Man Ray fotografò Duchamp in abiti femminili: "Rrose Sélavy alias Marcel Duchamp".
Il celebre ritratto è oggi conservato al Philadelphia Museum of Art.
Da quel nome “Rrose” è nato un omonimo bimestrale: Rrose la creatività, dalle arti visive al design, pubblicazione dell’Associazione Rrose Sélavy.
A dirigerla è Massimo De Nardo che nel presentarsi in terza persona ai lettori così dice: “Dopo trent’anni di copywriting gli è venuta un po’ la nausea di azienda leader del settore e di vasta gamma di prodotti […] Una rivista sulla creatività? Di questi tempi? E addirittura free press? Ora che si umetta l’indice per sfogliare Rrose non ha cambiato idea: è sempre una cosa da pazzi, però che bellezza averla realizzata con tutte le persone elencate sopra, alle quali va un immenso grazie”.
Le persone cui si riferisce De Nardo: Mimmo Jodice, Germano Celant, Bruno Ceccobelli, Gillo Dorfles, Angelo Ferracuti, Mauro Cicarè, Fabrizio Ottaviucci, Enzo Mari, Vittorio Zincone, Margherita Palli, Dem, Lorenzo Fonda, Mauro Bubbico, Annamaria Testa, Pasquale Barbella, Monica Randi (Astoria), Barbara Garlaschelli, Elisa Savi Ovadia, Maurizio Ferraris, Piero Feliciotti, Chiara Gabrielli, Paolo Rina.

La rivista si apre con un aforisma di Einstein: “Tutti sanno che una cosa è impossibile da realizzare, finché arriva uno sprovveduto che non lo sa e la realizza”.
Tanti gli articoli saettanti distribuiti nelle 58 pagine di Rrose”, dal primo della scenografa Margherita Palli “La storia del teatro l’ha cambiata un certo signor Edison. Con la sua lampadina” (… e quanto io sono d’accordo con la Palli!) all’ultimo di Maurizio Ferraris dal titolo birichino e contenuto scintillante: “Istruzioni per non essere creativi”.

Creatività: cosa difficilissima da definire. Un aiuto ci viene in “Rrose” da Annamaria Testa che la creatività la pratica e la teorizza. Conduce in rete Nuovo e Utile e il suo più recente libro è La trama lucente.
Che cosa ci dice sulla creatività? Dice che tra le tante definizioni esistenti la più esauriente le sembra quella del matematico Henri Poincaré perché per lui la creatività consiste nell’unire elementi esistenti con connessioni nuove, che siano utili. E’ una definizione molto ampia, valida per tutti gli ambiti della creatività: arti, scienze, tecnologia, impresa… e dà conto del fatto che la creatività è sempre un processo finalizzato (deve produrre qualcosa di utile) e sempre deve misurarsi con il contesto sociale. Insomma: qualcosa di molto diverso sia dalla fantasticheria, sia dalla trasgressione fine a se stessa. Faccio fatica a immaginare una definizione più netta di così. Però mi sembra interessante segnalare l'importanza dell'individuo che alimenta in sé un processo creativo. E quindi dico che la creatività è - anche - un atteggiamento mentale. Nel quale si trovano, mescolate, curiosità, inquietudine, tenacia, umiltà, coraggio. E, a volte, un senso di vertigine.

Rrose.
Bimestrale
diretto da Massimo De Nardo
Free Press

Devo a Emmanuel Grossi (ha fatto girare in Rete un affettuoso ricordo) la notizia della morte di Lino Procacci .
Nato vicino Norcia, amava ricordare: “Frequentavo il teatro dell’università, recitavo con Anna Proclemer, ma avevo un difetto di pronuncia e allora decisi di diventare regista”.
Lo è stato di trasmissioni tv famose come “Ieri e Oggi” – la prima in cui in cui la televisione parlava di sé stessa - condotta da nomi quali Lelio Luttazzi, Paolo Ferrari, Arnoldo Foà, Mike Bongiorno, Enrico Maria Salerno, Luciano Salce.
Fu il primo regista di “Domenica in” – programma sì un po’ troppo casareccio e familistico, però mai sguaiato come successivamente accadrà – titolo ricordato anche perché per la prima volta veniva coperta un'intera fascia pomeridiana durando per ben sei ore; una novità assoluta nel panorama tv italiano dove tutte le trasmissioni, fino allora non superavano mai i sessanta minuti.
La Rai non ha pubblicato su alcun quotidiano un necrologio firmato dall’azienda, come, invece, ha fatto con altri nomi.

Nel dicembre scorso ospitai in queste pagine Marco Negroni che profilò le linee dell’Editrice Castello Volante che allora aveva battuto i primi colpi d'ala.
Nel frattempo s’è provvista anche di un aereo blog né mancano suoi cinguettii su Twitter.
Volando volando quella Casa volteggiante ha attraversato parecchi spazi, celesti e sulfurei, con la collana “I fiori del web” diretta da Antonio Zoppetti, noto nella Rete come Zop.
Di lui esistono due recenti interviste che ne illuminano il mercuriale viaggiare: una realizzata su impervi sentieri terrestri e l’altra lungo rischiose rotte spaziali.
Ha contribuito anche al titolo più recente di Castello Volante: La pianta proibita Coltura e cultura nella storia, nella letteratura e nel cinema; autore: Luca Sutter.
Se ne può leggere una metà gratis, scaricandolo QUI oppure la versione integrale (costo : 4.70 euro) con un CLIC.

“La pianta proibita” si contraddistingue tra le molte pubblicazioni sul tema per il materiale inedito, i percorsi trasversali letterari e cinematografici, le tesi, la ricostruzione della canapicoltura italiana e le immagini storiche.
Questo che segue è il comunicato stampa.

La canapa è stata per secoli una delle risorse economiche, industriali e tessili più importanti del nostro Paese, secondo produttore mondiale per quantità ma primo per qualità. Nel Novecento, nonostante gli sforzi del fascismo di proteggere questo mercato, la canapicoltura è andata perduta. (Purtroppo furono messe in circolazione o recuperate a quel tempo tante altre cose che era meglio perdere). Questo saggio ne ripercorre la storia e analizza le cause del suo declino attraverso documenti inediti come un manoscritto di “materia medica” di fine Ottocento o le tavole dell'Encyclopédie di Diderot e d'Alembert. Accanto alla storia dell'uso industriale di questa pianta oggi proibita, viene ripercorsa anche la storia del suo uso medico, riscoperto di recente, e di quello psicotropo, attraverso l'analisi di fonti come la leggenda di Marco Polo del Veglio della Montagna, a capo della setta degli Hashishiyya, da cui il termine “assassino”. E ancora, l'erba pantagruelione di Rabelais, il Poema dell'hashish di Baudelaire, le pagine del Conte di Montecristo di Dumas e quelle di Théophile Gautier. La storia del proibizionismo del Novecento è ricostruita con un'analisi comparata con la proibizione di altre sostanze come il caffè, il tabacco e gli alcolici che hanno avuto come conseguenza la nascita dei monopòli di Stato e quella del gangsterismo. E un saggio sulla marijuana nella storia del cinema mette in luce come la considerazione della cannabis nell'opinione pubblica sia nel tempo cambiata: dalla droga devastante delle pellicole degli anni Trenta sino alle rappresentazioni leggere, scherzose e di denuncia del nuovo millennio.

Ufficio Stampa Castello Volante: Cristina Di Cillo | | cristina@castellovolante.com

Luca Sutter
La pianta proibita
Editore: Castello Volante
Euro: 4.70
In vendita nei maggiori e-Book store

“Le epoche di fervorose certezze eccellono in imprese sanguinarie”, diceva Elias Canetti.
E un’ondata di cruente certezze fu tra le cause della Shoah.
Oggi, invece di consegnare alla storia universale dell’infamia quei tragici avvenimenti, assistiamo da più parti all’avanzare di tenebrosi revisionismi oppure a stanche ritualità commemorative che di certo non aiutano a capire e interpretare quei fatti.
La data per la “Giornata della Memoria” che si celebra oggi fu scelta per ricordare il 27 gennaio 1945, quando le truppe dell'Armata Rossa, nel corso dell'offensiva in direzione di Berlino, arrivarono presso la città polacca di Oświecim (nota con il nome tedesco di Auschwitz).
Lì scoprirono l’atroce campo di concentramento e liberarono i pochi superstiti. La scoperta d’Auschwitz e le testimonianze dei sopravvissuti rivelarono compiutamente per la prima volta al mondo l'orrore del genocidio nazista, della Shoah. Shoah, in ebraico significa “annientamento”; indica lo sterminio di oltre sei milioni d’ebrei ed è da preferire questo termine a “olocausto” per eliminare qualunque idea di perniciosa, e sviante, religiosità insita in quest’ultimo.
I nazisti non furono soli nel commettere quel crimine contro l’umanità, furono aiutati da molti governi collaborazionisti e, prima ancora, dal fascismo italiano che il 6 ottobre 1938 promulgando le leggi razziali determinò la perdita dei diritti civili per 58mila italiani, parte dei quali poi deportati in Germania e 8mila di loro morti nei lager.
Infamia che discendeva dal ‘Manifesto della Razza’, pubblicato il 14 luglio dello stesso anno, firmato da 10 scienziati italiani, sorretti da altre 329 firme; per sapere chi erano e come agirono consiglio la lettura di un volume che segnalai tempo fa in queste pagine web: I dieci .

Ben vengano le numerose manifestazioni indette per oggi che, però, rischiano di diventare una Giornata, appunto, solo una Giornata. Consegnandosi così a ritualità che, come tutte le ritualità, spesso svuotano di significato ciò che si ricorda. Preferirei che invece di una Giornata con tanti avvenimenti in cartello, la Shoah fosse ricordata, attraverso piccole, quotidiane cose. Perché tutti i giorni avvengono misfatti a sfondo razziale (con preoccupante crescita anche in Italia) che sono molto gravi e, spesso, trattati dai media con spazi inadeguati.
C’è, però, un’importante iniziativa che si segnala per la sua unicità. Si tratta della nascita di una Rete nazionale, nata “per unire, sostenere e incoraggiare quei docenti universitari che puntino ad approfondire lo studio della Shoah e della sua didattica, coinvolgendo altri docenti e gli studenti”. Ideatore di questo network è Paolo Coen che l’ha fatto nascere nell'aprile dello scorso anno, all'università di Teramo, proprio la stessa nella quale un professore invitò Robert Faurisson, uno dei più famigerati sostenitori del negazionismo.
"La nostra Rete non è retorica, perché è volta al fare. Non è coercitiva, perché propone modelli, e non li impone", dice Coen, che intanto ha lanciato un blog attraverso il quale è possibile aderire a questo progetto.
Marco Pasqua che ha dedicato su Repubblica un servizio a quest’iniziativa, così conclude: “Il bisogno di una Rete, che unisca le energie positive dei docenti che vogliono approfondire lo studio e l'insegnamento della Shoah, è testimoniato, secondo Coen, dal fatto che appena il 10% delle università italiane celebrino la giornata della Memoria, con eventi spesso disattesi da docenti e studenti".

Del resto, perché meravigliarsene? Il nostro è un paese in cui il presidente del Consiglio dei Ministri Berlusconi alla vigilia di una Giornata della Memoria raccontò barzellette sui lager e ha definito “luoghi di villeggiatura” i paesi in cui il fascismo confinò gli oppositori.

Concludendo questa nota, anticipo che, sul tema della Shoah, prossimamente su questo sito interverrà Valentina Pisanty autrice di Abusi di memoria, un libro straordinario.

Che cos’è la creatività, come riconoscerla e definirla, è cosa che ha suscitato studi scientifici e riflessioni filosofiche.
Nelle arti visive, ad esempio, oggi, specialmente sotto l’incalzare delle nuove tecnologie, la creatività si orienta sempre più a uno scambio di codici, a un continuo rinnovarsi di proposte che attraversano territori non più confinanti come un tempo, si assiste a una (per me, benvenuta) ibridazione di generi e tecniche.
Ne è una dimostrazione una mostra a cura di Renato Barilli, con la collaborazione di Guido Bartorelli, Alessandra Borgogelli, Paolo Granata, Silvia Grandi, Guido Molinari: Officina Italia 2

L’esposizione si pone nel solco delle Officine organizzate dalla stessa équipe, a partire proprio da una precedente Officina Italia del 1997, cui hanno fatto seguito Officina Europa nel 1999, Officina America nel 2002, Officina Asia nel 2004, tutte realizzate con ampio concorso della Regione Emilia-Romagna, integrato da contributi delle amministrazioni locali ospitanti i vari settori del progetto, il quale infatti si è sempre caratterizzato per una natura policentrica irraggiandosi dal capoluogo Bologna.

“A oltre un decennio dal primo scandaglio” – è detto nella presentazione – “pare del tutto opportuno condurre un nuovo checkup sull’inesausta creatività dei nostri giovani: da qui il titolo della mostra, accanto a quello di Officina 2.
Volendo caratterizzare l’attuale situazione, si potrebbe fare ricorso alla nozione introdotta da Gilles Deleuze e Félix Guattari di “plateau”, ovvero di un bilanciamento tra opposti: il rigorismo dell’arte concettuale, col triangolo foto-scrittura-oggetto, accenna a stemperarsi in soluzioni più stimolanti e sensuose, che però si guardano dall’approdare a facili pittoricismi, senza peraltro disdegnare recuperi di motivi decorativi molto adatti per usi di arredo urbano.
Questo medesimo bilanciamento si registra tra soluzioni a due e a tre dimensioni: molte opere presenti in questa rassegna, infatti, muovono da progetti o tracciati esposti a parete, da cui però prendono lo slancio per andare a occupare lo spazio attiguo, occupazione che tuttavia avviene in modi leggeri e reversibili. Altri invece affrontano decisamente lo spazio aperto deponendovi come isole consistenti e cariche di stimoli. Insomma, tutte le dimensioni spaziali, dall’alto, dal basso, dalle pareti all’open space, sono inquietate, pungolate con reattività pronta e incalzante, costituendo uno spettacolo sempre mobile e imprevedibile.
La squadra curatoriale ha individuato 33 presenze, alcune già ampiamente note e avviate verso un successo crescente, altre meno conosciute ma altrettanto aggressive e incalzanti”.

Elenco dei nomi: Meris Angioletti; Alex Bellan; Davide Bertocchi; Alvise Bittente; Elena Brazzale; Jacopo Candotti; Roberto De Pol; Elisabetta Di Maggio; Anna Galtarossa; Eloise Ghioni; Chris Gilmour; Nicola Gobbetto; Paolo Gonzato; Alice Guareschi; Giorgio Guidi; Antonio Guiotto; Kensuke Koike; Lisa Lazzaretti; Federico Maddalozzo; Laura Matei; Ignazio Mazzeo; Matteo Montani; Margherita Moscardini; Giovanni Ozzola; Marco Papa; Laurina Paperina; Chiara Pergola; Filippo Pirini; Diego Soldà; Francesco Spampinato; To/Let (Marinangeli/Placucci); T-yong Chung; Giorgia-Valmorra.

I curatori si dicono particolarmente lieti di usufruire di questa attuale sede offerta da uno degli spazi in cui l’Accademia di Belle Arti di Brera conduce la sua prestigiosa attività didattica e di ricerca, spazi riservati soprattutto ai Bienni specialistici con annessi laboratori. Le opere presentate in questa occasione serviranno da stimolo per lezioni, dibattiti, incontri tra i partecipanti alla mostra e l’intero corpo docente e discente dell’Accademia.

Il catalogo (120 pagine, 100 illustrazioni - euro 28.00 in libreria), pubblicato dalle Edizioni Gabriele Mazzotta, dedica due pagine a colori per ogni partecipante, oltre ai saggi dei curatori e ai consueti apparati bio-bibliografici.

Dopo Milano la rassegna sarà presentata a Padova presso la Sala ex Macello.

Uffici stampa:
Edizioni Gabriele Mazzotta:
Stefano Sbarbaro / tel.02878380; stefano.sbarbaro@mazzotta.it

Accademia di BBAA di Brera:
Antonia Iurlaro, tel 02 – 86 955 233; ufficio.mostre@accademiadibrera.milano.it

Nuova creatività italiana
Ex Chiesa di San Carpoforo
Piazza Formentini 10 – Milano
Orario: lunedì – venerdì, 9.30 – 19.00
sabato 9.00 – 12.00
Ingresso libero
Fino al 12 febbraio ‘12

Tra i più fruttiferi risultati dell’intercodice proposto dalle nuove tecnologie, ci sono quelli che vedono arti visive e musica lavorare in un continuo, e benvenuto, scambio di segni.
Ne è un ottimo esempio quanto espone Rosanna Tempestini Frizzi alla Galleria fiorentina La Corte Arte Contemporanea.

Volentieri ne rilancio la presentazione pervenutami.

“Spacetime Extensions (Study # 2) è parte di un progetto ispirato al tema e all’indagine del rapporto fra arte e tecnologia. Circuiti di silicio e chip sono alla base di questa ricerca che Ongakuaw e Lucia Baldini affrontano, come moderni esploratori, setacciando l’ambiente visivo e sonoro offerto dai più comuni dispositivi elettronici moderni, oggetti entrati a far parte della nostra vita quotidiana come computers, telefonini ed altri elettrodomestici, strumenti tecnologici che aiutano, o a volte complicano, il nostro rapporto con la realtà. Ongakuaw e Lucia Baldini indagano il mistero “dal di dentro”, penetrando al cuore di una tecnologia inanimata ma comunque pulsante. Il flusso di suoni e di immagini prodotti restituiscono un vero viaggio attraverso i meandri digitali di un universo tecnologico a portata di mano.
Entrate e lasciatevi pervadere dal suono. Le immagini che scorrono accompagneranno il visitatore in un percorso coinvolgente all’interno dei circuiti di un pc, rivelandoci una sorprendente varietà di mondi inesplorati. Le fotografie di Lucia Baldini creano una percezione totalmente appassionante per il visitatore che si trova improvvisamente catapultato di fronte a paesaggi digitali, scorci di città virtuali carpite da un futuro prossimo che è già reale.
Lo scenario sonoro realizzato da Ongakuaw ci fa strada in questa esplorazione tessendo suoni registrati direttamente dall’interno del computer, come se fossero tracce di segnali audio provenienti da un luogo remoto. Ongakuaw ci accompagna ad entrare in un ambiente invaso da sonorità diverse da quelle cui siamo abituati; dopo un primo momento di straniamento siamo portati naturalmente a riconoscere a poco a poco questi rumori che percepiamo come musica.
L’esperienza che si trae da Spacetime Extensions (Study # 2) è quella di un riconoscimento graduale sia delle fotografie sia dei suoni, la percezione di tempo dilatato, sospeso, da cui il visitatore riemerge rinnovato nella sua sensibilità e nell’idea, spesso preconcetta, che siamo soliti avere della tecnologia, qui rivisitata in tutto il suo potenziale poetico”.

Per visitare il sito web di Lucia Baldini: CLIC!
Per quello di Ongakuav: QUI.

La Corte Arte Contemporanea
Via De’ Coverelli 27/R, Firenze
Info: rosatem@tiscali.it ; (+39) 348 – 640 11 64
Dal 21 gennaio al 9 febbraio ’12

I chiacchieroni sono perniciosi, ci affliggono con le loro voci, ci estenuano con un fiume di chiacchiere. Fra loro c'è anche chi non si accontenta di sproloquiare nella propria lingua, ma (secondo i soliti creduloni nel paranormale) anche in altri idiomi, da loro mai studiati né praticati, determinando la cosiddetta xenoglossia… aiuto!
Ben venga, quindi, un gruppo – nato nel 2006 – che si chiama Sineglossa e ben venga anche perché si tratta di un gruppo teatrale il quale – fedele al nome che s’è dato – non pratica lo sclerotico teatro di parola affidando il proprio lavoro a un linguaggio multicodice aderente ai nostri tempi che è quello delle “psicotecnologie” (copyright Derrick de Kerckhove).

La Galleria anconetana Quattrocentometriquadri – proseguendo il suo intenso programma di esplorazioni nella nuova espressività – ospita una residenza di Sineglossa impegnato in un articolato progetto intitolato Eresia.

E’ una circumnavigazione attorno alla figura di Giovanna D’Arco.
Per saperne di più: CLIC!
Data la particolare configurazione di Quattrocentometriquadri, separata dall’esterno solo da vetrate, il progetto diventa un impianto site specific implicando un’interazione accidentale, ma continua, con i passanti, che potranno fermarsi ad osservare il work in progress della compagnia. Una modalità che “originerà” – come dicono i componenti di Sineglossa – “curiosità verso la produzione di performance che insistono sui nuovi linguaggi della contemporaneità, restituendo una formazione non istituzionale ad un pubblico non abituato a partecipare alla presentazione di eventi di questo tipo”.
L’interazione col pubblico sarà favorita anche da strumenti analogici costruiti dalla stessa Compagnia.
Al termine della residenza creativa, Sineglossa presenterà il risultato del proprio lavoro al pubblico con una conclusiva performance che si terrà sabato 4 febbraio.

Quattrocentometriquadri Gallery
Via Magenta 15, Ancona
Info: gallery@quattrocentometriquadri.eu
3934522197- 338.2430040
Da oggi al 4 febbraio ‘12

Si deve alla sensibile direzione della Cineteca di Bologna condotta da Gianluca Farinelli l’esposizione, a cura di Carlo Ansaloni, di una videoinstallazione per parole, immagini, suoni, musica: La Bandiera.
L’opera è del poliartista Enzo Minarelli.

La Bandiera, realizzata per la prima volta nel 1989, (L’Immagine elettronica, Pac, Ferrara), riprende ora a sventolare seguendo ancora i ritmi del poema sonoro Regina, dedicato alla parola più lunga del lessico italiano, precipitevolissimevolmente , regina, non foss’altro che per estensione, tra le parole italiane.

Ecco come l’autore presenta il suo lavoro: La Bandiera è essenzialmente un inno romantico perché si apre alla vita, ai suoi infiniti aspetti e motivi, ai richiami dell’esistenza, capta i segnali di una vita vissuta intensamente, ove l’intimità dell’io s’effonde liberamente (il classico io-mondo), ed è nel contempo irrazionale perché fa leva sull’istinto primordiale del poeta sciamano, imprevedibile nel labirinto della fantasia, ma assume anche un tratto razionale: il poema viene costruito con una precisa coscienza estetica e mirata operosità, i tre schermi tricolori assumono la funzione di finestre aperte verso quanto ci scorre attorno, il verde richiama il verdetto, l’essere al verde, la trionfalistica musicalità verdiana impressa nelle mille lire, (moneta corrente dell’epoca ante euro), il bianco va in relazione con la biancheria intima, il rosso s’accosta al toro, alle labbra, al Capitale di Marx, a un pizzico di Che Guevara; l’andatura sventolante della bandiera viene ulteriormente corroborata dall’assetto visivo delle parole, vere poesie concrete ma in movimento, “precipite” indica la verde caduta, “volissime” la bianca solidità della staticità razionale, e “volmente” il rosso spiccare il volo nel cielo azzurro.

“La Bandiera”
di Enzo Minarelli
a cura di Carlo Ansaloni
Cineteca-Cinema Lumière
Via Azzo Gardino 65, Bologna
tel: (+39) 051 – 21 94 810 / 35
Tutti i giorni 10 – 24
Dal 23 gennaio al 6 febbraio 2012

In una sua recente newsletter di Identità Golose , Paolo Marchi (come ho già scritto di lui, e non da ieri, lo ritengo il migliore critico enogastronomico di cui disponiamo… a proposito, domenica 5 febbraio, prima giornata di Identità Milano 2012) ha riferito di una cena fatta in onore di Pasquale “Tuccino” Centrone titolare di Tuccino ristorante di Polignano a Mare dove mesi fa gustai un pranzo di lussuoso gusto.

Tuccino soffre di SLA, Sclerosi Laterale Amiotrofica, vive su una sedia a rotelle e si è fatto fondatore di AttivaMente Puglia perché “non tutti” – ha detto – “sono fortunati come me, si sentono persi e crollano”.
Scrive Marchi: Io – e non solo io – ho un altro concetto della fortuna, ma è facile capire che Pasquale si riferisce alla famiglia che ha accanto, quando diverse davanti al dramma si defilano e sfasciano, e anche al lavoro che a Polignano non si è interrotto, in sale e verande dove si mangia con il sole e l’Adriatico negli occhi. […] Amara notarella finale: nella vita ci sta di tutto, il meglio e più facilmente il peggio, in ogni settore, privato o pubblico che sia. Davvero non bisogna stupirsi di nulla, però non credevo proprio che la vicenda di Tuccino, con il suo carico di dolore perché la SLA non è una barzelletta anche se c’è chi si diverte a fare le battute sugli ebrei e sui malati, spingesse a scrivere solo il sottoscritto. Nei blog e nei giornali troviamo di tutto, anche molte cazzate e tanti pettegolezzi da asilo infantile, possibile che la SLA interessi solo quando colpisce un calciatore? Possibile che Tuccino e la sua associazione non meritino almeno un cinquettio in twitter e due parole in fb o in un sito per aiutare a raccogliere cento euro in più?.

Vittorio Cavaliere ha organizzato una cena dove tutto era a offerta libera e dove cuochi e aziende del vino hanno donato tempo e impegno, materie prime e bottiglie, per berle al momento e per batterne una sessantina di straordinarie all’asta.
Tutto il ricavato per AttivaMente Puglia.
Non lasciamoli soli.

Fine anni ’70: il rapimento e l’uccisione di Moro determina in Italia una gravissima situazione politica e sociale a tutto favore delle destre; viene approvata la legge 194, con la quale si riconosce il diritto della donna ad interrompere, gratuitamente e nelle strutture pubbliche, la gravidanza indesiderata scatenando rabbie cattoliche e, in seguito, referendum da loro persi; diventa Pontefice Wojtyla che riporterà la Chiesa su posizioni tridentine e andrà in Cile a stringere la mano a Pinochet; sugli schermi trionfa "Apocalypse Now" grande affresco sulla brutalità di guerre inutili mentre da noi si parla di un certo Nanni Moretti che dopo “Io sono un autarchico” ha successo con “Ecce Bombo”; Radio Alice che aveva riaperto dopo l’irruzione della polizia nel ’76 chiude definitivamente e la radio passa ai radicali (oggi sontuosamente foraggiati con milioni di euro di denaro pubblico); il “rock demenziale” di Freak Antoni e degli Skiantos furoreggia insieme con una new wave che discendendo dal punk rock ha il suo centro propulsore a Bologna; “Il Male” con i suoi formidabili falsi propone un nuovo modello satirico e nasce il progetto che vedrà nelle edicole la rivista “Frigidaire” che esalterà le matite di Stefano Tamburini e Andrea Pazienza; si afferma il termine “post modern” che indica una ribellione al modernismo, all’architettura razionale e al vecchio design.
In quel clima nacquero in Italia parecchie case editrici.
Lavoravo allora a RadioRai e portai al microfono in una trasmissione che si chiamava “I pensieri di King Kong” molti di quei giovani editori notando in tutti loro un grande entusiasmo, ma in quasi nessuno un approccio ragionato al mestiere dell’editore.
Ardori ideologici e furia iconoclasta da alcuni, da altri qualche furberia politica e un piglio manageriale per niente suffragato da autentiche competenze.
Solo uno mi convinse fra quelli: un giovane che senza negarsi alla ricerca, senza disprezzare i coetanei editori, non aveva paura di parlare dei libri anche come merce; parola allora (e, purtroppo, spesso ancora adesso) ritenuta scandalosa se associata a fatti di cultura.
Quel giovane baffuto, un po’ impacciato, che sembrava uscito da nebbie praghesi o da una pagina di Bohumil Hrabal era Sandro Ferri.
Aveva fondato E/O sigla che stava per Europa/Orientale, infatti, pubblicava letteratura di quell’area geografica.
Oggi, varato un più vasto piano d’impresa culturale con la moglie, l’ottima slavista Sandra Ozzola, è da intendersi per Est/Ovest.
Per conoscere più diffusamente la storia di E/O, basta un CLIC.
Provenendo da quei lontani, difficili, anni, dei quali ho tracciato un trafelato profilo, è oggi l’Editrice che si è affermata diventando, meritatamente, una protagonista del nostro scenario editoriale.

Da un paio di mesi è in libreria un volume intitolato I ferri dell’editore, edito proprio da E/O, nel cui titolo occhieggia in modo sorridente il nome del suo autore che proprio Ferri Sandro è.
Felicissime pagine che affrontano temi culturali e tecnici del mestiere editoriale, indicando non solo i problemi, ma anche la maniera di affrontarli senza lacrime sul passato e senza terrori per il futuro.
Pagine elegantemente sommesse eppure squillanti nei loro avvertimenti, nella loro consapevolezza di un nuovo modo d’affrontare il concetto di autore, editor, gestione d’impresa.
Ferri, pur amando il libro di carta (un po’ troppo, ho pensato da tecnofilo quale sono leggendo “I ferri dell’editore”), infatti, non si è sottratto alla produzione profilata sulle nuove tecnologie. I più grandi successi delle Edizioni E/O, di autori italiani e stranieri, non a caso li troviamo anche in formato digitale per lettori che desiderino la semplicità e la comodità dei benvenuti dispositivi eReader.

Per una scheda sul libro: QUI.

Sandro Ferri
I ferri dell’editore
Pagine 160, Euro 5.00
Edizioni e/o

Per renderci conto di quanto siamo messi male con la cultura scientifica, basta guardare uno dei momenti (purtroppo ce ne sono molti altri) delle nostre tv sia pubbliche sia private. Accade, infatti, che al mattino accanto alle previsioni meteorologiche appare implacabilmente un’altra rubrica dedicata agli oroscopi; si crea, cioè, un’equivalenza di pari dignità tra calcoli frutto di rilevazioni satellitari e improbabili divinazioni di ciarlatani.
Nessuna meraviglia, quindi, se tanto clamore e credulità ha suscitato la profezia – attribuita agli incolpevoli Maya – secondo la quale questo 2012 sarebbe l’ultimo dell’umanità.
Non è la prima volta che presagi tanto funesti siano messi in giro da iettatori professionisti che fanno discendere tanto malaugurio da fantasiose misurazioni ora tratte da comici conteggi ora da previsioni ricavate da misteriosi mondi occulti. Forse non è un caso che le parole “paranormale” e “paranoico” comincino con le stesse sei lettere.

Un prezioso libro, pubblicato da Gangemi, sulla presunta catastrofe del 20 dicembre (secondo altri più ottimisti il 21 dicembre) di quest’anno, è intitolato 2012 Manuale contro la fine del mondo che, con ampia documentazione, e narrazione venata spesso di pungente umorismo, sconfessa tanti profeti di sventura.
L’autore è uno dei nostri migliori divulgatori scientifici: Alessandro Cecchi Paone.
Giornalista, saggista, docente universitario, autore e conduttore radiotelevisivo; tra i suoi volumi qui ricordo: “Un saggio mi ha detto”, “Ulisse”, “Pianeta Serra”, “Immagini dal mondo”, la video biografia di Umberto Veronesi col quale ha anche firmato “Scienza e pace”.
Per una più estesa biografia, v’invito a visitare il suo sito web.

Cecchi Paone non si limita a parlare del 2012, ma conduce un’avvincente esplorazione storica attraverso le tante disgraziate apocalissi annunciate nel corso dei secoli passando in rassegna tutti i neri presagi falliti. Dall’antica Persia del 1500 a.C. arrivando ai giorni nostri abitatati, ad esempio, dalla signora Nancy Lieder del Wisconsin che in contatto con la progredita razza aliena degli Zetas per via telepatica (gli Zetas, sono sì progrediti ma evidentemente non hanno ancora scoperto i cellulari), dapprima annunciò la fine del mondo per il 2003 per poi – essendo sopravvissuto il pianeta Terra - rimandare la cosa a tempi futuri ma non lontani da oggi.
Nella galoppata che fa Cecchi Paone attraverso i tempi, non manca naturalmente il criptico Nostradamus che avrebbe fissato “come data ultima delle sue profezie il 3797 – peraltro senza indicarla come data della fine del mondo – e quindi c’è carne al fuoco per altri 17 secoli e passa”.
Sicché tante altre profezie esiziali ci toccherà sentire e darà modo a tanti d’esibirsi in luttuose dichiarazioni. Il fatto è che tali tenebrose cose trovano spazio non solo nei banali e suppergiù benevoli oroscopi della tv, ma dal piccolo schermo (così come da siti web, giornali e libri) sono rilanciate con un taglio pseudoscientifico che convince tanti.
Si pensi, ad esempio, a Roberto Giacobbo – vicedirettore di Rai 2 – che trasmette apocalissi e misteri fino ad attirarsi la satira di Crozza, un divertente esempio QUI .

Piergiorgio Odifreddi concludendo la sua lunga, ragionata, prefazione a “2012. Manuale contro la fine del mondo” scrive: Ben venga questo “Manuale” di Alessandro Cecchi Paone […] un autore che, coraggiosamente, della battaglia contro la superstizione irrazionale e contro l’ignoranza scientifica ha fatto una ragione di vita.

Per una scheda sul libro: CLIC!

Alessandro Cecchi Paone
2012 Manuale contro la fine del mondo
Prefazione di Piergiorgio Odifreddi
Pagine 80, Euro 12.00
Gangemi Editore

Come ho già scritto altre volte in queste pagine, amo il teatro di parola quanto una colica renale preferendogli il teatro tecnosensoriale che si avvale delle neotecnologie info-elettroniche, un tipo di teatro che ibridando generi e tecniche ha in sottofondo, variamente modulato, la filosofia che teorizza il postumano.
Per intenderci, valga ad esempio la "Fura dels Bauls".
Esiste, però, un teatro che agisce sulle derive magnetiche della fusione corpo/macchina/voce/immagine riuscendo ad essere parte di questa nostra epoca delle “psicotecnologie” (copyright Derrick de Kerckhove).
Teatro difficilissimo da farsi e nel quale credo che in Italia abbiamo una delle poche, rarissime, interpreti in Emanuela Villagrossi, in foto.
Non è un caso se figura tra le pochissime persone di teatro che ho invitato nella mia taverna spaziale sull’Enterprise: CLIC!
Perché quel teatro è assai difficile? Perché ci sono interpreti che di fronte alle tecnologie si smarriscono fino a scomparire e altri che talvolta quando provengono dalla scena tecnologica e s’arrischiano a recitare in voce sono capaci di deprimere ogni platea.
Voglio dire che la Villagrossi è bravissima in entrambe le situazioni? Sì, questo voglio dire.
Alle doti naturali ha accoppiato lo studio, alle cose apprezzabili del passato ha aggiunto le esperienze nel nuovo come dimostra, ad esempio, la sua lunga collaborazione con i “Motus” e la partecipazione a film in cui agisce sul blue screen.
Incisiva sempre, forse perché, come dice il mio amico Pino Caruso: “Esistono due sole categorie d’attori: i canini e gli incisivi”.

Ora, dopo un felice debutto, la troviamo al Teatro Officina di Milano impegnata in un testo di Andrea Balzola intitolato Democrazia dove, infatti, la commistione fra parola e tecnologia la vede duplicarsi in scena (fra immagine video e dal vivo) nel ruolo di due sorelle dai nomi biblici: Lia e Rachele.
E’ scritto nelle note di regìa. Nel testo di Balzola la tecnologia è importante tanto quanto la parola, fa da supporto allo sdoppiamento dell’attrice, il video, ad esempio, ha un ruolo determinante per la realizzazione del dialogo tra le opposte posizioni delle due sorelle […] La tecnologia di cui si dispone in scena è stata messa tutta sullo stesso piano, in modo da poterne decidere l’uso a partire dal senso del testo, senso che emerge dalla sedimentazione delle parole durante il lavoro a tavolino e in scena attraverso il corpo stesso dell’attore. Sono stati perciò posto sullo stesso piano video, microfoni, luci, musiche poi impiegati come elementi integranti di questo specifico testo, al fine di amplificarne i molteplici contenuti.
Lia parla a Rachele ed Emanuela ad Emanuela fra pace e guerra, fra aut pati aut mori.
Non è un caso che parecchi anni fa, in una nostra conversazione sul web, mi disse: “Ma cosa c’è di più intimo e umano di un attore che dialoga con l’immagine di sé stesso sulla scena?”
La dimostrazione flash in questo videotrailer dello spettacolo.

Ufficio Stampa Retropalco : Marialuisa Giordano, 338.3500177; retropalco@alice.it

Teatro Officina
Via Sant'Erlembaldo 2, Milano, tel. 02.2553200

“Democrazia”
di Andrea Balzola
con Emanuela Villagrossi
regia Maria Arena
musiche Stefano Ghittoni
assistente alla regia Alexandra Pirajno
video Maria Arena
registrazioni audio Marco Olivi | Blue Spirit Studio

Dal 20 al 22 gennaio ’12, poi in tournée

E’ intitolato Il cammino delle parole un ciclo d’incontri proposto dalla Società Dante Alighieri in collaborazione con "Paesaggio Culturale Italiano - I Parchi Letterari" che si tiene a Roma nelle sale di Palazzo Firenze.
La rassegna, inaugurata nel novembre scorso con un’ampia riflessione su Giosuè Carducci (tra i fondatori della Dante), è proseguita con un articolato ricordo di Pier Paolo Pasolini dove è risuonata la voce di Mario Rosati, pittore, scultore, e autore della celebre stele di Ostia che ha detto: “Grazie ai libri del mio amico Pier Paolo ho compreso a fondo il mondo della periferia. È stato lui che ci ha insegnato a mantenere e rispettare il linguaggio e la romanità propri delle nostre origini”.

Il prossimo appuntamento, domani giovedì 18 gennaio, sarà dedicato alla figura e all’opera di Carlo Levi,(in foto), autore della famosa opera “Cristo s’è fermato ad Eboli” che narra del periodo trascorso ad Aliano, in Basilicata, al confino dove il regime fascista lo aveva condannato.
Peccato che Berlusconi – ancora stremato dalle fatiche per impedire l’arresto di Cosentino accusato dalla Magistratura d’essere il referente nazionale dei casalesi – non si trovi di passaggio da quelle parti, avrebbe illustrato, come già una volta disse, come il confino altro non era che “una villeggiatura”. Peccato. Avrebbe smentito quelle accorate pagine di Levi.
Il quale non è stato solo scrittore ma anche pittore; sue opere, sempre a Palazzo Firenze, saranno esposte al pubblico fino al 9 febbraio.
Il 18 si avrà anche la presentazione di due inediti (“L’uomo della luna” e “Il tempo lascia il conto e se ne va”), scritti da Levi negli anni Settanta, messi in musica dal Maestro Peppe Militello e che saranno eseguiti dallo stesso musicista.

Il 25 gennaio sarà di scena un profilo del grande poeta Albino Pierro (Tursi, 19 novembre 1916 – Roma, 23 marzo 1995) per ben due volte candidato al Nobel.

L’Ufficio Stampa della Dante è guidato da Pierpaolo Conti.

E’ in corso a Roma, presso la Nomas Foundation, una mostra dal fortissimo impatto storico, psicologico e visivo che chiama i visitatori ad interagire con essa.
Si tratta di The Veterans Book Project ideata dall’artista Monica Haller (Minneapolis, 1980) e curata da Stefano Chiodi (Roma, 1963) storico e critico d’arte.
Si tratta, com’è detto nella presentazione di “una biblioteca di libri che Monica Haller sta costruendo insieme ai veterani delle guerre americane di questi anni. Molti libri sono di soldati, uno è di una madre, un altro del fratello di un militare morto in battaglia, un altro ancora di una donna irachena che ha perso le gambe quando un missile statunitense è atterrato sul suo letto. Sono loro gli autori, loro gli esperti. Muovendo dal dimenticato, dal banale o più esattamente da ciò che non è mai stato registrato nella memoria, Haller chiede ai veterani di superare la retorica e puntare al centro del problema. Una foto scattata con il cellulare, una mail, un’annotazione di un diario, un’amnesia: le risorse sono senza limiti. La biblioteca cresce e prende forma con l’eredità delle guerre.
Haller non è l’autrice dei libri. È colei che compone gli elementi del progetto e la griglia che gli autori possono riempire. L’artista cura lo spazio per i loro esperimenti e fornisce il software editoriale, una piattaforma stabile per questo spesso fragile materiale. L’artista è un’ascoltatrice, una redattrice, una grafica, una testimone. Usa il formato del libro per la sua materialità, per la sua qualità di veicolo di storia e di memoria, per la sua stabilità e mobilità. Otto workshop in un anno hanno prodotto trenta libri e migliaia di copie in circolazione. In un tempo di guerre ‘infinite’, Haller costruisce una comunità di autori e lettori per creare attraverso i libri discussioni e un continuo scambio di conoscenze sulla guerra”.

Monica Haller (in foto) è un’artista visiva che spaziando tra design, video, fotografia e scrittura, focalizza la sua pratica sui problemi di giustizia sociale, diffondendo informazione, amplificando i materiali e le tecnologie che i suoi collaboratori conducono e sperimentano nelle loro stesse vite. Trauma, memoria e comunicazione sono alcuni dei temi del suo lavoro. Ha una laurea in Processi di Pace e Studi sui Conflitti conseguita presso il College of St. Benedict e un Master in Arti Visive conseguito presso il Minneapolis College of Art and Design. I suoi lavori sono stati esposti dal Festival Les Rencontres d’Arles, in Francia, al Walker Art Center, a Minneapolis, al Rhode Island School of Design (RISD), a Providence, fino alla Biennale 01SJ, Build Your Own World, San Jose. Ha ricevuto numerosi premi per il suo lavoro, incluso una Guggenheim Fellowship e un supporto dal National Endowments for the Arts.

In un densissimo articolo apparso su il Manifesto (13 dicembre ’11), così scrive il saggista e critico letterario Andrea Cortellessa: Ci accoglie un ambiente spoglio, illuminato solo dalle lampade direzionali collocate sui tavoli. Ci sediamo, apriamo il primo libro a portata di mano, cominciamo a leggerlo. Sul tavolo ci sono anche delle penne, per prendere appunti a nostra volta. Conclusa la lettura di un libro, possiamo scegliere se alzarci dalla sedia e spostarci a un altro tavolo – o chiedere a un altro visitatore di scambiare il nostro libro col suo. Volenti o nolenti, si forma una comunità: una “unità” non di combattimento ma di senso. La Memoria del Trauma fuoriesce dalla matrice ineffabile del soggetto per farsi memoria condivisa – barlume di una Storia ancora da scrivere. A venire dispiegati, stavolta, siamo noi.

Press info: Manuela Contino press@nomasfoundation.com

Monica Haller
“The Veterans Book Project”
a cura di Stefano Chiodi
Nomas Foundation
Viale Somalia 33, Roma
Fino al 23 febbraio 2012

Il titolo di questa nota non inganni. Non si parla qui della dannunziana Mila, figlia di Jorio, che così dicendo sale sul rogo, ma di una festa popolare che si svolge a Novoli (Lecce) dove fervono i preparativi per la tradizionale magica notte del 16 gennaio.
La “Fòcara”, il fuoco più grande del bacino del Mediterraneo, rivive tra sacro e profano e, fra i due termini, l’estensore di questa nota predilige il secondo.
Un falò di 25 metri di altezza e 20 metri di diametro per l’ormai secolare festa di Sant’Antonio Abate, per costruire il gigantesco fuoco servono dalle 80.000 alle 90.000 fascine.
Le origini della presenza della Fòcara a Novoli da alcuni sono assegnate all'opera dei veneziani; mentre, altri la individuano intorno al XV secolo anche prima della richiesta di avere Sant'Antonio come protettore della comunità novolese. In ogni caso è certa la data del `700 desumibile da atti comunali.
In questo video si può ammirare la maestrìa pirotecnica che, è il caso di dire, dà luce e calore all’avvenimento.

“La Fòcara duemiladodici” sarà interpretata da un artista di fama internazionale che ama definirsi “un artista del sud, del sud più misterioso, più cupo”, Mimmo Paladino, che firmerà il primo manifesto d’autore – (in foto) – della Festa del fuoco, e una xilografia – prodotta dall’autore in tiratura limitata e numerata da 1 a 100 - che racconta il “mistero” della magica notte della “Fòcara”
Quest’opera, realizzata per rendere omaggio all’unicità di questo fuoco, sarà a disposizione dei collezionisti in attesa della grande installazione realizzata dal maestro di Paduli sulla Fòcara, che unirà “Costumanze, evocazioni, leggende, racconti e riferimenti letterari, tra scultura, installazione e ambiente”, come spiega Toti Carpentieri direttore artistico di FòcaraArte.
Promosso oggi da Regione Puglia, Provincia di Lecce e Comune di Novoli in collaborazione con numerosi partner pubblico-privati, l’evento è, infatti, carico di simboli legati alla cultura popolare e contadina del territorio.
Il fuoco di Novoli, da secoli, si propone come il “fuoco buono di Puglia, messaggero di pace nel mondo”, universale simbolo di solidarietà.

Il nuovo portale dedicato alla festa salentina, è stato realizzato da ClioCom, partner tecnologico della Fondazione Fòcara.
Tra i servizi che produrrà, segnalo una webcam su La Fòcara; la trasmissione in diretta 24 ore su 24 delle immagini relative alla costruzione della pira, grazie a una particolare videocamera a raggi infrarossi; streaming audio/video live degli eventi e le immagini delle performances degli artisti Daniele Silvestri, Moni Ovadia e Shantel che si alterneranno sul palco insieme con l’Orchestra del Fuoco diretta da Roy Paci.

Ufficio Stampa: Agenzia Freelance
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